Diary

In ogni angolo del mondo esistono luoghi che hanno respirato storie, che hanno ospitato sogni e che, nel silenzio del loro abbandono, continuano a raccontare storie inascoltate. L’Hotel Petra di Beirut è uno di questi. Non un semplice edificio, ma un monumento che ha vissuto l’apogeo di una città, testimone dei suoi giorni dorati e poi del suo struggente declino.

Un tempo, l’Hotel Petra era il cuore pulsante di Beirut. Immaginate le sue sale brulicanti di vita, gli echi delle risate, il fruscio dei vestiti, gli sguardi furtivi e le strette di mano sigillate con affari. E vicino, il Gran Teatro, dove la musica e le voci degli artisti risuonavano nell’aria, mescolandosi al caos urbano.
Ma le città, come le persone, affrontano prove. La guerra civile libanese ha trasformato le strade di Beirut in cicatrici profonde, alterando per sempre il suo volto e il suo spirito. L’Hotel Petra divenne un fantasma, un ricordo sbiadito di ciò che era stato.

Nel 1992, la promessa di restaurazione gli diede una nuova speranza, un sospiro di attesa. Tuttavia, per quasi vent’anni, l’hotel è rimasto sospeso in un limbo, protetto e intatto, ma lontano dal tocco umano. Quando Robert Polidori ha varcato quelle porte nel 2010, ha trovato non solo un edificio, ma un’opera d’arte in evoluzione. I muri dell’Hotel Petra raccontavano storie non con parole, ma con stratificazioni, con la patina del tempo, con colori e trame che si intrecciavano in una danza silenziosa di decadenza e rinascita. Una tela viva, dipinta non da un solo artista, ma da decenni di storia e da innumerevoli mani.

In quei muri, Polidori ha visto la bellezza del tempo, la potenza della natura e l’arte dell’abbandono. Come un alchimista, ha catturato l’essenza di quel luogo, mostrando al mondo che anche nella desolazione e nell’oblio, c’è una storia da raccontare, una bellezza da celebrare.
L’Hotel Petra è un monito, un ricordo, un inno alla resilienza di una città e alla memoria dei luoghi. Una testimonianza del fatto che, anche nei momenti più bui, c’è sempre una luce che brilla, un segno di speranza, una storia da raccontare. E che, spesso, è nelle crepe e nelle imperfezioni che troviamo la vera bellezza

Napoli, il 23 settembre 1985. Una data avvolta nell’ombra, un frammento di tempo che si è inciso come una cicatrice indelebile nella storia di questa città. È la giornata in cui un giovane cronista, Giancarlo Siani, ventisei candeline di vita appena spente, ha visto spegnersi per sempre la sua voce in nome della verità.
Le parole di Siani erano come frecce scoccate con precisione, dirette dritte al cuore di una Campania che spesso preferiva mantenere il suo oscuro silenzio. Non c’era argomento che sfuggisse alla sua curiosità implacabile: il malaffare, la corruzione, i politici coinvolti in loschi traffici, gli imprenditori senza scrupoli. Il suo sguardo scavava nel profondo delle ferite della sua terra, senza risparmiare dettagli scomodi, senza indulgere a compromessi.
Quell’articolo fatale, pubblicato l’10 giugno 1985, gettava luce su un intricato labirinto di alleanze e accordi segreti tra clan rivali. Siani, immerso nell’oscurità di minacce e intimidazioni, perseverava nella sua ricerca di verità. La sua penna non era solo un’arma di denuncia ma un faro che guidava gli altri verso la comprensione. In queste parole, ritorna il respiro dell’eroe silenzioso, che non si arrende di fronte alle tenebre che lo circondano. È l’uomo che cadendo mille volte, non ha mai conosciuto la sottomissione, perché la sua forza risiedeva nell’animo libero e nel cuore del saggio.
La notte di quel tragico 23 settembre, le pistole Beretta hanno cercato di porre fine al cammino di Giancarlo Siani. Ma la sua eredità è una fiamma che ancora arde, una luce che rischiara gli angoli più oscuri della criminalità e dell’ingiustizia. La sua memoria è un richiamo a non abbassare lo sguardo di fronte alle minacce, ma a gridare la verità con coraggio, sempre in piedi.

Nel cuore pulsante del quotidiano, tra ombre di nonni amati e giochi di ragazzini nei parchi, emerge una luce, una storia, un battito. La lente di Meiji Dai, artista dallo sguardo penetrante e delicato, questa volta si posa su un animale, sul suo cane, un essere di pelo bianco luminoso che sembra raccontare storie antiche e moderne insieme. “Il Cane Bianco” (“白い犬”), un titolo che evoca purezza, innocenza e, allo stesso tempo, l’indomita vitalità della natura.

Ryo (che significa “dormitorio”), questo il nome del protagonista a quattro zampe, un nome che porta con sé il ricordo di un incontro, di un destino scritto tra le mura di un dormitorio. Due anime che, all’inizio, si osservano con diffidenza, con quel timore reciproco che nasce dalla non conoscenza. Ma il tempo, paziente tessitore di legami, avvicina questi due mondi. Giocano, corrono, si scoprono in un abbraccio fatto di sguardi e di silenzi.

Osservando le immagini di questo libro, non si può fare a meno di percepire il lento scorrere delle stagioni, il cambiare delle luci, il mutare delle emozioni. Un racconto lungo 17 anni che, in ogni sua pagina, rivela una verità semplice ma profonda: l’amore, la cura, il rispetto possono superare qualsiasi barriera, anche quella della paura.

La carriera di Meiji Dai, fotografo nato sotto il cielo di Ishikawa, è costellata di riconoscimenti, di attimi catturati e di racconti che vanno oltre l’immagine. E, in “Il Cane Bianco”, sembra voler dirci che la vita, con tutte le sue sfumature, può essere compresa solo attraverso l’amore, la dedizione e l’apertura all’altro. Una testimonianza autentica e toccante, un inno alla bellezza delle piccole cose, a quei dettagli che, spesso, sfuggono allo sguardo ma che sono l’essenza stessa dell’esistenza.

Nella vasta distesa di film che abbracciano l’horror e il macabro, emergono talvolta opere che, pur camminando su terreni battuti, ci stupiscono con scorci inaspettati. “Cargo” è uno di questi rari gioielli, nato dal fertile terreno australiano, nazione che ha sempre manifestato una particolare propensione per storie intrise di natura e umanità. La terra australe, luogo di miti e di leggende ancestrali, diventa teatro di un’apocalisse sottintesa, dove gli zombi non sono solo mostri, ma simboli di una società in rovina. In questo scenario, incontriamo un padre, con il peso di un destino incombente, che attraversa l’outback in cerca di salvezza per la sua bambina. La sua corsa contro il tempo è intrisa di una disperazione silenziosa e toccante, un grido sommesso nell’immensità di un paesaggio desolato.
Eppure, nonostante le tinte fosche, “Cargo” non dimentica mai la sua radice umana. L’incontro con Thoomi, la giovane aborigena, riporta alla luce la forza dei legami ancestrali, della comunità e della cultura, in un contesto in cui l’individualismo ha spesso avuto la meglio. La loro relazione, fatta di sguardi, di gesti semplici, rappresenta un filo di speranza in un mondo sconvolto.
Il film evoca con maestria l’importanza delle radici e del legame con la terra, invitando alla riflessione sulla natura dell’uomo e il suo posto nel mondo. I non-morti che emergono dal terreno come struzzi, la testa sepolti in profondità, sono metafora potente dell’alienazione dell’uomo moderno, estraneo alla propria terra e ai propri affetti. “Cargo” è un viaggio, un cammino tra due mondi, dove il silenzio e la solitudine dominano, ma dove, nel profondo, risuona ancora l’eco delle canzoni antiche, le storie tramandate di generazione in generazione.
Questa pellicola australiana, pur con i suoi echi horror, parla di umanità, di legami, di resistenza e di speranza. È un film che, come un vecchio canto aborigeno, risuona nei cuori e nelle menti di chi lo guarda, lasciando un segno indelebile. Un invito a riscoprire ciò che conta davvero, in un mondo che spesso sembra aver perso la bussola.

In un mondo travolto dalla banalità del quotidiano, “La mia prediletta” emerge come un torrente in piena, che si fa strada tra le rocce dell’indifferenza. La miniserie tedesca, fioritura artistica su terreno di Netflix, si annida nei meandri più oscuri della psiche umana, sfidando l’anima dello spettatore con la sua crudezza implacabile. Come le onde che si infrangono contro gli scogli, le vicende di Lena, Anna e Jonathan sconvolgono con la loro violenza quotidiana, scandendo il ritmo di un’esistenza rinchiusa in una gabbia invisibile. La prigionia, non solo fisica ma ancor di più spirituale, si rivela attraverso gli occhi di Anna, che nella sua innocenza svela un abisso di sofferenza. Una sofferenza che diventa un canto, una lamentazione che risuona nella notte.
La casa lugubre in cui sono confinati è metafora di un mondo esterno che, troppo spesso, chiude gli occhi di fronte alle atrocità. L’assoggettamento, la violenza, la manipolazione psicologica – tutto ciò è rappresentato con una precisione chirurgica, ma allo stesso tempo con la poesia di chi sa guardare oltre. La violenza non è solo un atto, ma un’ombra che si estende, un’eco che risuona in ogni angolo della casa.
E poi le indagini. In esse, si intuisce la disperazione di chi cerca, ma anche la speranza di chi crede nella giustizia. La contrapposizione tra la realtà angosciosa all’interno della casa e l’indagine esterna diventa danza, un balletto tra luce e ombra, tra speranza e disperazione.
Guardando “La mia prediletta”, l’anima trema di fronte alla rappresentazione dell’orrore che, ancor più del paranormale, è radicato nell’essere umano. Si avverte il peso di una realtà che, sebbene sia amplificata per fini narrativi, ha radici profonde nel nostro tessuto sociale. E proprio come la scomparsa di Lena Beck, ogni dettaglio, ogni sguardo, ogni parola non pronunciata diventa un ponte verso una riflessione più ampia sulla vulnerabilità, sul dolore e sulla resistenza dell’anima umana.
“La mia prediletta” non è solo una miniserie: è un invito a guardare in profondità, a sfidare le proprie convinzioni e a ricercare la luce anche nei luoghi più bui. Un lavoro ben riuscito che si insinua lentamente, ma che lascia un segno indelebile.

Era un giorno come tanti, immerso nella routine dei rumori della vita, quando l’aria si è riempita di un suono che ha squarciato il silenzio: un allarme, un urlo metallico proveniente da centinaia di telefoni cellulari. In un bar all’aperto, dove l’aria dovrebbe essere di chiacchiere e risate, una cacofonia angosciante ha preso il sopravvento. Questo moderno carillon ci ha ricordato che viviamo in un’era segnata dall’emergenza, dove gli avvisi digitali hanno sostituito le campane a stormo dei paesi, quelle che avvertivano di un pericolo imminente. Ma ciò che fa riflettere non è tanto il suono dell’allarme, quanto ciò che rappresenta.
In tre anni, siamo stati sommersi da onde di terrore: il virus, la guerra, il clima. Emergenze che hanno dato vita a un regime di allerta perpetua, dove l’eccezione diventa la norma. E in questa realtà, dove ogni giorno può portare un nuovo allarme, la domanda che sorge è: come stiamo reagendo? La natura umana ha sempre avuto una strana affinità con il pericolo. Come un fiammifero che si accende nell’oscurità, ci ricorda che siamo vivi. Ma c’è un rischio nascosto in questa consuetudine all’emergenza: quella di diventare inerti, di perdere il senso di ciò che è veramente importante, di lasciare che la paura guidi le nostre azioni.
Il vero pericolo non è il suono dell’allarme, ma il silenzio che segue. Quel momento in cui ci rendiamo conto che abbiamo smesso di interrogarci, di mettere in discussione, di difendere la nostra libertà e la nostra intelligenza da chi vorrebbe ridurle a mere parole d’ordine. In questo clima, c’è un bisogno urgente di riflessione, di prendere una pausa dal tumulto e chiedersi: quale mondo vogliamo costruire? Una società che vive in perenne stato di emergenza, dove l’allarme diventa una colonna sonora costante, o una comunità in cui l’allerta serve a proteggere, ma non a dominare?
Il compito che abbiamo davanti è immenso, ma non impossibile. Dobbiamo imparare a navigare tra le onde di questa tempesta, ricordando che ogni allarme, ogni emergenza, è anche un’opportunità. Un’opportunità per riflettere, per crescere, per costruire un futuro migliore. Perché, alla fine, la libertà non risiede nel silenziare l’allarme, ma nel saperlo ascoltare e agire di conseguenza.

Nel calmo bagliore del mattino, le strade si animano di bambini con zaini ancora lucidi, fiorenti di promesse e di nuovi libri. I miei passi accompagnano mio figlio, la sua giovane figura proiettata verso il futuro, in quel cruciale crocevia tra la fanciullezza e l’adolescenza. Le sue spalle portano il peso non solo dei libri, ma delle aspettative, delle paure e dei sogni.
Guardando lui, non posso fare a meno di pensare a quelle estati della mia giovinezza, dove il tempo sembrava fermarsi tra il gioco e l’avventura, solo per precipitarsi freneticamente verso il primo giorno di scuola. Ma di quelle mattine, i ricordi sono velati da una nebbia di nostalgia, rendendo difficile distinguere la realtà dalle immagini romantiche del passato.
Nei suoi occhi vedo quella stessa curiosità che forse, in qualche angolo recondito della mia mente, anche io avevo. Una curiosità fatta di domande non ancora poste, di storie non ancora raccontate, di amici non ancora rincontrati. È la curiosità di chi sa che ogni giorno può nascondere una lezione, una sorpresa, una scoperta.
La scuola, quel grande edificio che lo accoglierà, è più di quattro mura e un campanello. È il luogo dove si formano idee, si confrontano opinioni, si forgiano amicizie. Dove, giorno dopo giorno, si impara a diventare adulti.
Mi domando se lui sente il peso di questo momento, l’importanza di questo anno. Poi però mi rendo conto che forse sono solo miei pensieri da adulto, che proietto sulla sua giovane mente. Lui vive il presente con la leggerezza e la grazia che solo un bambino può avere.
Mentre lo osservo avvicinarsi all’entrata, in disparte, provo ad accompagnarlo con il mio augurio: che possa trovare gioia in ogni giorno, che possa imparare con passione e che possa crescere conservando quella preziosa curiosità.
E quando alla fine del giorno lo rivedrò, spero di trovare nei suoi occhi quella stessa luce, quel bagliore di chi ha scoperto qualcosa di nuovo, di chi ha vissuto un altro giorno con tutto se stesso. E magari, in qualche modo, attraverso lui, anch’io potrò rivivere un po’ di quella magia.

A navigare nel mare oscuro delle pagine scritte da Bram Stoker, ci si imbatte in un viaggio dimenticato, una tratta di sole 16 pagine che unisce la Transilvania a Londra. Un viaggio che, seppur breve nell’opera originale, porta in sé un carico di mistero e terrore. “L’Ultimo Viaggio della Demeter” tenta di espandere quel frammento, donandogli corpo e voce.
A primo impatto, la premessa può sembrare una scelta ardita, quasi presuntuosa. Del resto, come può un regista estrapolare un lungometraggio da un passaggio quasi secondario? Eppure, come un maestro artigiano che scolpisce dettagli intricati in un pezzo di legno, Øvredal estrae dal racconto una storia densa e avvolgente.
La pellicola apre le sue vele nel 1897, portandoci a bordo della Demeter. Ogni dettaglio, ogni ombra sembra portare con sé il peso della storia e del destino che aspetta l’equipaggio. Il film diviene una riflessione profonda sulla natura umana, sulle nostre paure e sul nostro rapporto con l’ignoto. L’atmosfera è densa, palpabile; come se il mare stesso fosse una creatura viva, che respira e osserva. Il cast, con figure come Cunningham, Dastmalchian e Franciosi, naviga abilmente tra le acque tormentate della trama, rendendo tangibili le emozioni e i conflitti interni dei personaggi. La rappresentazione di Dracula, in particolare, è un ritorno alle radici, un’entità demoniaca e inquietante che ricorda le paure ancestrali dell’uomo. Tuttavia, non si può negare che la pellicola, pur con le sue qualità indiscusse, presenti alcune imperfezioni. La durata di alcune scene, prolungate forse in eccesso, e l’inserimento quasi forzato di un finale che sembra voler anticipare un seguito, possono distogliere lo spettatore dall’esperienza complessiva. Nonostante ciò, “L’Ultimo Viaggio della Demeter” si posiziona come una perla rara nel panorama cinematografico odierno. Non è un classico del genere vampirico, ma è un viaggio che merita di essere intrapreso, un’opera che, come il mare, cela misteri e bellezza in ogni sua onda. Una pellicola che, con delicatezza e introspezione, invita lo spettatore a guardare oltre l’orizzonte, verso terre sconosciute e misteri insondabili.

In una mattina come un’altra, Andrea Haberman, mossasi dai ritmi delicati del cuore, si era impegnata in un gioco d’amore con il suo fidanzato. Era una sorta di dolce competizione: chi riusciva per primo a chiamare l’altro, all’alba di ogni giornata separati dalla distanza, era incoronato vincitore di quella mattina. In quella fatidica giornata, Andrea ebbe il sopravvento. Era giunta in anticipo nel luogo dove il cielo si confonde con le costruzioni, l’ufficio della Torre nord del World Trade Center, per una riunione delle 9:00. Usando il tempo come complice, il fuso orario le permise di fare la sua telefonata. Ma le ore mutevoli avevano in serbo un altro destino. Circa 40 minuti dopo quella voce, un aereo, spinto da forze oscure, si lanciò contro l’edificio, solo un piano al di sopra del suo respiro. Quel giorno, Andrea e altre 2976 anime vennero strappate dal tessuto del mondo.
Il tempo passò, e nelle viscere di Ground Zero, mani stanche ritrovarono tracce di Andrea. Il suo cellulare, testimone muto dell’ultima chiamata, fu ritrovato. Ora, tra le pareti del “9/11 Memorial Museum”, esso sussurra a chiunque voglia ascoltare, la storia di un amore interrotto e di un giorno che cambiò il mondo.