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Giovanni Chiaramonte…

·Biagio

Nel silente scorrere del tempo, le immagini catturate dalla lente di Giovanni Chiaramonte raccontano di luoghi e destini intrecciati. Ogni scatto, un dialogo tra il visibile e l’invisibile, una poesia di luci e ombre. Nel dolce abbraccio della fotografia, Chiaramonte ha tracciato il sentiero di un’esplorazione senza tempo, dove il reale si fonde con l’etereo. Ogni fotografia, un frammento di eternità, una finestra aperta sul profondo respiro dell’esistenza.
Le sue immagini, sospese tra cielo e terra, raccontano di un viaggio che va oltre il mero vedere, invitando a una meditazione profonda sul nostro posto nel disegno più ampio. L’arte di Chiaramonte non era mera rappresentazione, ma un invito a penetrare il velo della superficie, a cercare il divino nel quotidiano. Un filosofo della lente, un poeta del silenzio che, con grazia e umiltà, ha indagato i misteri del visibile e dell’invisibile.
Con la sua scomparsa, noi tutti perdiamo un maestro che ha saputo esprimere, attraverso il diaframma della sua macchina fotografica, la profonda relazione tra l’essere e lo spazio, il sacro e il profano. Ma il suo lascito continua a vivere, nelle immagini che hanno catturato l’infinito in un battito di ciglia, nel silente dialogo tra luce e ombra che continua a narrare la bellezza della vita, nella semplicità profonda che ha guidato ogni suo scatto. Giovanni Chiaramonte, con la sua arte, ha tracciato un sentiero di luce nel cuore dell’oscurità, un invito a vedere oltre, a cercare il bello anche nell’effimero, a riconoscere l’eterno nel transitorio.

…l’artista che ha colorato la fotografia.

·Biagio

Lui è William Eggleston, nato nella polverosa Memphis, Tennessee, nel 1939, immerso in un mondo che ancora non sapeva di colori. Il suo nome echeggerà negli angoli del tempo come colui che dipinse la fotografia con una tavolozza sconosciuta, una tavolozza a colori.

Egli viveva nel bianco e nero, giocando con supporti e formati, ma già sognava un mondo di tonalità sconosciute. Nel 1967, l’audacia lo portò a John Szarkowsky, un custode di memorie al MoMa di New York, con sotto il braccio, il suo lavoro a colori. Fu una scossa, un terremoto nell’arte fotografica. Nel 1976, in quel tempio della modernità, si aprì la prima personale di fotografie a colori. Un urlo nel silenzio.

Furono lanciate frecce avvelenate, per quella rivoluzione colorata. Critiche feroci si schiantarono sulle sue opere, e il suo stile provocò un tumulto. Anche Ansel Adams, l’anziano maestro delle montagne in bianco e nero, spedì una lettera di protesta. Non capivano, o non volevano capire, perché Eggleston trovava la bellezza nell’ordinario. Una lattina di salsa, un cruscotto di un’auto, un cartello stradale… perché?

Eggleston vedeva un mondo diverso. Osservava il quotidiano con uno “sguardo democratico”, ricercando una bellezza marginale, ignorata dagli altri. Riusciva a cogliere la complessità e la forza di un dettaglio minore, di un momento fugace, di una luce accesa al crepuscolo.

Le sue fotografie erano dipinte con il dye transfer, una tecnica resa possibile dalla Kodak, che sprigionava un’ampia gamma di rossi, blu e gialli. Un processo di colore nato dai negativi in bianco e nero. E in quel miscuglio di tecnica e arte, Eggleston creò un nuovo linguaggio fotografico, un dialogo tra l’oggetto fotografato e l’osservatore.

Egli ha aperto una finestra sul comune, sui dettagli che ci circondano quotidianamente. Eggleston, con il suo modo di fotografare “democratico”, ci ha mostrato come anche un triciclo possa diventare arte. Come il Sud degli Stati Uniti, con le sue stazioni di servizio, i suoi cortili e le sue insegne, possa trasformarsi in un museo a cielo aperto.

Eggleston è l’uomo che ha insegnato alla fotografia a vedere i colori. E attraverso il suo obiettivo, abbiamo imparato a guardare il mondo con occhi nuovi. Un visionario, un rivoluzionario, un maestro. Questo è William Eggleston, l’artista che ha colorato la fotografia.

…un gesto di rispetto verso l’imprevedibilità del mondo

·Biagio

Nel folto labirinto del quotidiano, René Maltête sembra danzare con l’invisibile, cogliendo l’inatteso tra il frastuono delle cose ordinarie. Con la sua lente, come un sapiente indagatore della vita, mette a nudo l’ironia che si annida nell’apparente banalità, fissando in immagini un concerto di umanità che suona note di comicità e di stupore.

La sua fotografia non è una semplice raccolta di attimi, ma un dialogo silenzioso con il mondo. Ciascuno scatto è un quesito sospeso nel tempo, una domanda senza risposta che invita chi guarda a cercare, a scavare, a scoprire l’insolito nel consueto.

Maltête ci consegna una riflessione sulla società, formulata non con parole ma con l’eloquenza di un’immagine. Attraverso le sue fotografie, emerge una critica delicata ma pungente alla superficialità, un invito sotteso a riconoscere l’individualità e a celebrare la diversità. Nella sua opera, la lente diventa uno strumento di resistenza, un modo per esplorare e far emergere la singolarità di ogni momento, di ogni individuo.

Lo stile di Maltête non conosce artificio. È la spontaneità a governare la sua arte, una spontaneità disarmante che trascende la mera rappresentazione per divenire una sorta di contemplazione dell’istante. Ogni scatto è un atto di ascolto attento e paziente, un gesto di rispetto verso l’imprevedibilità del mondo.

René Maltête, con la sua macchina fotografica, non si limita a documentare: egli interpreta, narra, svela. Le sue immagini sono poesie senza parole, composizioni di luce e ombra che parlano della condizione umana con una lingua fatta di sorrisi e di meraviglia. Così, il fotografo si fa poeta, filosofo, testimone di un mondo che, attraverso il suo obiettivo, si mostra in tutta la sua complessità e il suo splendore.

Nell’opera di Maltête, la fotografia diventa un modo per ricordare a noi stessi la nostra umanità, per riscoprire il piacere della diversità e per ritrovare, nel cuore dell’ordinario, l’eco di un sorriso che rende straordinaria la vita.