Mese: Giugno 2023

finestre aperte sul mondo…

·Biagio

Constantine Manos, scultore di luci e ombre, ha viaggiato attraverso il mondo con la sua macchina fotografica come una bussola. Nato nelle pampas della Carolina del Sud, ha sempre avuto il cuore nella terra lontana dei suoi antenati, la Grecia.

La sua mano non trema mai quando traccia linee di luce sulle sue tele in bianco e nero. Non un semplice tocco del dito sul pulsante dello scatto, ma un gesto meditato, attento, amorevole. Così, come un abile pescatore, ha tessuto reti di immagini nelle quali ha catturato l’anima del mondo.

Nelle sue fotografie, le figure umane appaiono come silhouette che danzano, si percepiscono i sussurri delle conversazioni silenziose, gli sguardi che raccontano storie senza parole. Manos cattura la vita, la vita che scorre come un fiume, con le sue correnti rapide e le sue acque quiete.

Quando ha deciso di immergersi nel colore, è stato come se avesse scoperto un nuovo universo. Ha dipinto con le sfumature del mondo, rivelando in “American Color” e “American Color 2” un ritratto straordinariamente vivido dell’America. Non un semplice ritratto, ma un racconto, un inno alla diversità e alla complessità dell’umanità.

Attraverso il suo obiettivo, Manos non ci mostra solo l’apparenza delle cose, ci mostra l’essenza, la verità nascosta sotto la superficie. Le sue fotografie sono come finestre aperte sul mondo, finestre attraverso le quali possiamo vedere la bellezza e la tristezza, la grandezza e la piccolezza della vita.

In lui, l’artista e l’osservatore si fondono, dando vita a un’opera che è un ponte tra il visibile e l’invisibile. Come un poeta delle immagini, ci guida in un viaggio alla scoperta del mondo, un viaggio che è anche un viaggio dentro noi stessi.

Una lavagna al giorno (5)

·Biagio

John Bardeen è l’unica persona ad aver ricevuto due volte il Premio Nobel per la Fisica: la prima nel 1956 con William Shockley e Walter Brattain per l’invenzione del transistor; la seconda nel 1972 con Leon N Cooper e John Robert Schrieffer per la superconduttività convenzionale.

…il ritmo sottile di questo eterno divenire.

·Biagio

Margherita Hack, un faro nel mare scuro del cosmo, una donna la cui comprensione dell’universo ha aperto nuove strade per l’umanità. Nata a Firenze, la città del Rinascimento, forse è lì che ha imparato a guardare le stelle con occhi diversi, a cercare di capire le leggi che regolano il grande orologio del cielo.

La sua visione del tempo riflette la profondità della sua comprensione. Il tempo, infatti, non è solo un concetto astratto. È la trama stessa della realtà, il filo che intreccia passato, presente e futuro. È il teatro sul quale la vita e la morte danzano, dove il nuovo nasce e il vecchio muore.

Ma come può essere? Come possiamo definire qualcosa di tanto sfuggente e implacabile? Come dice Margherita Hack, il tempo si rivela nel cambiamento. Si vede nel germoglio che diventa albero, nel volto che invecchia, nella terra che si erode. Anche la pietra più dura, data abbastanza durata, si polverizza.

Eppure, anche in questo incessante fluire, c’è bellezza. C’è il sapore dolce-amaro della nostalgia, la gioia di un nuovo inizio, la tristezza di una fine. Sì, tutto cambia, tutto passa, ma è proprio in questo cambiamento, in questo passaggio, che risiede il fascino del tempo.

Siamo creature temporali, gettate in un universo che non smette mai di mutare. E, come Margherita Hack, possiamo solo cercare di comprendere, di cogliere il ritmo sottile di questo eterno divenire.

vedere il mondo con occhi diversi…

·Biagio

André Kertész. Come un violino zingaro, nato nel cuore di Budapest, sussurrava immagini al mondo. Da Parigi alle strade di New York, il suo occhio onnisciente catturava la vita con una spontaneità che sconvolgeva. Una macchina fotografica Leica per mano, si muoveva leggero come un gatto sulla neve, scompariva nel tessuto cittadino, diventava ombra per far risaltare la luce.

Le sue fotografie, erano poesie scritte con la luce, storie sospese nell’attimo. Come “Chez Mondrian”, un frammento di tempo intrappolato nella geometria dell’atelier, o “The Fork”, un omaggio alla bellezza celata nelle cose quotidiane. E ancora, “Meudon” e “Stairs of Montmartre”, scale di pietra che sembravano condurre non solo a una strada o una casa, ma direttamente nell’anima della città

Ma Kertész non era solo un occhio. Era un cuore, un’anima. Catturava la solitudine, la quiete, la gioia e la malinconia. Le sue immagini erano un invito a guardare oltre, a vedere l’invisibile, a percepire l’umanità celata dietro ogni volto, ogni gesto. Eppure, in fondo, si sentiva un estraneo, un osservatore solitario. Questo senso di estraneità si riflette nelle sue opere, rendendole ancora più profonde, più toccanti.

Quando se ne andò, nel 1985, lasciò un’eredità che va oltre la fotografia. Kertész ci ha insegnato a vedere il mondo con occhi diversi, a trovare la bellezza nell’ordinario, a catturare l’effimero. E forse, più di tutto, ci ha insegnato che la vita, in tutta la sua complessità e semplicità, è degna di essere celebrata.

Plasmare la luce…

·Biagio

Nasce Yousuf Karsh, sotto il cielo di Mardin, nel 1908. Nella sua lunga esistenza, fino alla dipartita a Boston nel 2002, matura una vista acuta, un silenzioso ascolto del mondo attraverso il suo obiettivo. L’artista acquisisce le sue prime lezioni sotto l’ala protettiva di John Garo, per poi navigare nel mare aperto dell’arte, delineando un sentiero tutto suo.

Karsh possiede un dono prezioso, quello di plasmare la luce come fosse un materiale tangibile, un lingotto di argento pronto a prendere forma sotto le sue mani. A volte è come una lama affilata, capace di incidere i volti con precisione chirurgica, a volte è un velo delicato che accarezza i tratti, svelando piuttosto che nascondendo. Questa danza di chiaroscuri sulle sue pellicole porta in superficie l’essenza dei suoi ritratti, una verità che affiora nelle espressioni di menti complesse come Bertrand Russell o anime tormentate come Tennesse Williams e Glenn Gould.

Karsh non si limita a catturare l’immagine, ma scolpisce. L’essenza del soggetto ritratto non è un’ombra fugace, ma una statua che prende forma sotto il suo sguardo. Emergono così autorità e tormenti, grandezza celata dietro il sipario della professione, come nel ritratto coraggioso del musicista Pablo Casal, fissato audacemente da dietro. Un dettaglio qui, un accento di luce là, sono i segreti nascosti che rivelano il tutto, un’aura interiore che si sprigiona nell’immagine.

Il volto, tuttavia, non è l’unico protagonista per Karsh. Nel suo ritratto audace della ballerina Maya Plietskaya, è il corpo a prendere il centro della scena, e il volto diventa un complemento del racconto che il corpo danza.

Ritratti come quelli di Hemingway e Churchill, diventati iconici nel loro radicamento nel nostro immaginario collettivo, risvegliano una familiarità inconscia. Sono divenuti tessere del mosaico della nostra cultura visiva, tanto da far sì che l’immagine di Churchill fosse ripresa per adornare la banconota da cinque sterline della Banca d’Inghilterra.

La radiante bellezza di Sophia Loren, la fresca e sovrana bellezza di Audrey Hepburn, sono solo alcuni dei volti che Karsh ha immortalato. Attraverso i volti del Novecento, sembra voler tracciare una mappa umana della genialità, un pantheon di uomini e donne che, con il loro contributo in vari campi – arte, letteratura, cinema, scienze, pensiero, politica – hanno cambiato il corso della nostra esistenza. Un tributo alla genialità dell’uomo, ecco il vasto lavoro di Yousuf Karsh.

Così, le mani di Karsh tessono il Novecento, non soltanto nei ritratti, ma nelle trame di luce e ombra che ne disegnano l’anima.

le disparità sociali…

·Biagio

L’interno dell’autobus è stratificato per razza, con i bianchi seduti davanti e gli afroamericani seduti dietro, rispecchiando la segregazione razziale vigente all’epoca negli Stati Uniti.

La potenza di questa immagine sta nella sua sottigliezza. Non c’è dramma evidente, ma l’immagine ci mostra silenziosamente le disparità sociali. La divisione degli spazi nell’autobus riflette le disuguaglianze e la divisione nella società americana di quel periodo.

l’importanza dell’accoglienza…

·Biagio

Il ritrovamento di Pompei, con l’affresco che raffigura la xenia, o l’atto di ospitalità, sottolinea un aspetto cruciale della cultura dell’antica Roma: l’importanza dell’accoglienza. Questo non solo riflette la considerazione sociale e il rispetto per gli ospiti, ma anche l’arte di rendere condiviso il cibo e la bevanda, trasformandoli in un simbolo di connessione e di comunità.

La scoperta ci ricorda che l’ospitalità non è semplicemente un gesto cortese, ma un rito culturale e sociale, un ponte tra persone e culture, che ha il potere di unire e creare legami. Questa rappresentazione tangibile dell’ospitalità, messa in evidenza attraverso un cibo che ricorda la pizza, sembra ancorare il gesto di accoglienza non solo alla dimensione materiale e concreta del cibo, ma anche a un senso più ampio di condivisione e comunità.

La scoperta ci invita a riflettere su come queste pratiche antiche influenzano ancora la cultura contemporanea dell’accoglienza. La pizza, per esempio, è diventata un simbolo universale di convivialità, una pietanza che si condivide in gruppo e che, proprio come la focaccia nell’affresco, unisce le persone attorno a un pasto comune.

In un’epoca in cui sembra prevalere l’individualismo, il ritrovamento a Pompei ci ricorda l’importanza di ritrovare il senso di comunità e condivisione, valori profondamente radicati nella nostra storia e che meritano di essere preservati e rinnovati.

vedere oltre…

·Biagio

Matt Stuart, scrigno di memorie immortalate, cammina sul selciato delle metropoli con l’anima in allerta e una Leica in mano. Cattura gli attimi con la sua macchina fotografica, così come un pescatore tira su con la sua rete i frutti di un mare sconfinato e misterioso.

Il suo palcoscenico sono le vie brulicanti di gente, i volti, le espressioni, le storie non raccontate. Ogni istante è un’opportunità, ogni persona un enigma da svelare. Con il suo obiettivo, penetra la cortina di quotidianità, per rivolare l’insolito nell’ordinario.

La sua tecnica si basa su un equilibrio di disciplina e istinto, una danza delicata tra pazienza e prontezza. Si nutre di momenti fugaci, di un bimbo che corre, di un vecchio che sorride, di un cane che abbaiando rompe il silenzio. Le città sono il suo teatro, gli abitanti le sue muse inconsapevoli.

I colori brillano nelle sue opere, rischiarando i volti, riempiendo gli angoli di vita, dando voce alle ombre. Come un pittore che sceglie accuratamente le sue tonalità, Stuart impregna ogni scatto di una tavolozza di emozioni.

Le sue fotografie sono un innamoramento dell’umano, un’ode alla sua forza e alla sua fragilità. Ogni immagine è un ritratto di vita, un frammento di tempo sospeso, un canto silenzioso alla bellezza che risiede nell’effimero.

Stuart non è solo un fotografo, è un narratore. Racconta storie senza parole, dipinge quadri con la luce, compone melodie con le immagini. Eppure, non sono solo immagini: sono l’eco di un riso, il rumore di passi che si allontanano, il fruscio di un abito al vento.

La sua arte è un invito, un richiamo. Ci chiede di fermarci, di guardare, di vedere oltre. Di riconoscere la bellezza nell’ordinario, la poesia nel quotidiano, l’amore nella solitudine. Di comprendere che ogni attimo è unico, irripetibile e meritevole di essere ricordato. E in quel ricordo, troveremo l’eco delle nostre storie, il riflesso dei nostri volti, l’ombra delle nostre emozioni.

[…]

·Biagio

…un timido osservatore

·Biagio

Friedrich Seidenstücker, esploratore d’ombra e luce, ha ballato sulla pellicola del quotidiano, illuminando la scena con la lente della sua macchina fotografica. Il suo palcoscenico era il mondo, un teatro aperto dove la vita comune recitava la sua ordinaria bellezza.

La sua tecnica, un abito di penitenza che si porta per amore, era austera, disciplinata. Il suo strumento, la macchina fotografica, un messaggero che restituiva alla luce il racconto nascosto in ogni frammento di realtà.

Seidenstücker si ritirava a un passo di distanza, un timido osservatore che lasciava che la vita svolgesse la sua danza. E in quel vortice ordinato, trovava momenti di pura umanità, attimi di tenerezza, sprazzi di sorpresa.

Le sue fotografie non erano adornate da artifici o elaborate composizioni, ma erano l’autentico specchio della vita quotidiana. Scatti vivi, profondi, impregnati di quella risonanza segreta che solo un osservatore vero può cogliere.

Nella sua opera, la quotidianità svelava la sua dignità nascosta, il quotidiano si trasformava in poesia. Seidenstücker ci parlava di una bellezza universale, presente in ogni angolo di strada, in ogni volto, in ogni gesto.

Le sue immagini erano un canto all’invisibile, una voce per l’inaudito. In ogni fotografia, l’ordinario si vestiva d’eccezionale, il banale diventava sublime. La vita comune, sotto il suo obiettivo, diventava una sinfonia di significati, un coro di emozioni.

Era l’arte di rendere visibile l’invisibile, di dare voce al silenzio. Seidenstücker, col suo occhio sensibile e l’anima in ascolto, ci ha lasciato un patrimonio di momenti sospesi, di attimi immortali, di frammenti di umanità catturati per sempre nel mosaico di una pellicola.